紐約時裝技術學院博物館（FIT）和大都會藝術博物館（MET）近年來都在辦展上十分積極，MET的風格是以館藏多且珍貴著稱，而FIT則很會獨辟蹊徑。繼之前展示了人體和建筑的關系后，FIT將于12月6日開放的展覽則陳列的是美國時裝史上的無名英雄。

　　得益于一次群體性呈現作品的機會，FIT還邀請了一些美國以外的非洲裔設計師加入其中。這個展覽主題的靈感來源于FIT的助理策展人Ariele Elia，她曾在2014年去過普瑞特學院參觀一場小黑裙展覽，那時普瑞特就展出了10個紐約非裔時裝設計師的作品，可是Ariele發現，她幾乎都不認得他們的名字。回到FIT后，她翻出了館藏記錄發現原來有這么多的作品被忽視了。

　　這不是FIT第一次為非洲裔美國人辦展。早在1992年，Harold Koda就策劃過一場類似的展覽，Koda在采訪中說道：“聽到奴隸擁有漂亮披肩不會讓我驚訝，而如果只是一塊白棉布，我相反會覺得我值了。”

　　如果FIT的展覽立意新穎，那么MET的展覽則噱頭不小，因為它要展出的是號稱幾十年來最好的杰作，主題是“Masterworks：Unpacking Fashion”，將有從18世紀至今的60個作品入選——這著實難度很大，要知道一個設計師一季就差不多要出40個左右的新款。

　　策展人Jessica Regan說，每個作品都將展現”它所代表的時代最鮮活的一面”，而當它們一起時，則會反映出時尚作品是如何定義歷史的。18世紀，時尚最在乎的東西是面料和表面的飾品，到了19世紀，紡織條件改良后，人們就開始追求更復雜的技術，比如如何把金屬、萊茵石等和蝴蝶刺繡在一起等等。20世紀的時尚則更多以風潮為導向，人們竭力尋找不同的方式表達衣著和自我主張，比如Yves Saint Laurent在1960年推出的街頭靈感夾克和三宅一生的塑料緊身胸衣均屬于這一類。

　　和往年單純呈現產品的奢侈品展覽不同，這場展覽的風格更偏向于裝置藝術。Gucci的創意總監Alessandro Michele邀請了4個國際藝術家來各自布置一個房間，主題分別為“Gucci Words”、“Gucci Herbarium”、“Gucci Garden”、“Gucci Ghost”。

　　其中的Herbarium是歐美媒體報道最多的作品，它由日本藝術家鹽田千春創作，這位常年旅居柏林的藝術家最擅長的是“創傷型藝術”。小的時候，鹽田目睹過鄰居家的大火，這段經歷對她來說刻骨銘心。而在后來的創作中，鹽田多次用燒過的東西布展，還喜歡用棉線把它們纏起來，以此構建出一種在痛苦中作繭自縛的壓抑感。本次創作中，鹽田也把Gucci的包袋、桌椅板凳、床纏在了密密麻麻的紅色絲線中，遠看像是枝枝蔓蔓的花叢，近看則像血管和人體神經，或是蜘蛛網，這種明媚又哀傷的氣質和Michele的作品也很契合。

　　而Words房間則像一個多維度的浮世繪空間，充滿了日本傳統神話圖像和蚊子，Garden則是包含了昆蟲、植物、日本漫畫人物的雜亂廠房，Ghost自然是由和Gucci合作的布魯克林涂鴉藝術家Trouble Andrew創作。這四個房間將一直開放到11月27日，不能親臨現場的人們也可以瀏覽Gucci 4 Rooms的官網看視頻。